Aquella celebración de los 42 años de I MUSICI en Marzo de 1994,  significó algo muy importante para esa legendaria agrupación y también para Venezuela.


Por Joaquín López Mujica | j.lopezmujica@laposte.net | Especial Venezuela Sinfónica

La visita de esta prestigiosa institución musical, y hoy agregándole casi 23 años mas, constituye una excusa perfecta para publicar una conversación que por su extensión y por lo que tiene de arte musical trascendente, ha valido la pena esperar tantos años para su publicación.Pero, más importante resulta cuando el acercamiento a tan prestigiosa agrupación lo tenemos con Massimo París, su Director Artístico.

París, nos visitó, en aquella época, pero me ha manifestado personalmente, recientemente, su interés en visitar un epicentro mundial de la música como es hoy Venezuela, gracias al imponente prestigio de El Sistema. Somos amigos y además compartimos en mismo día de  cumpleaños -11 de febrero- . Le conocimos en la ciudad de Caracas, a propósito del II Festival Internacional de El Hatillo. La apoteósica celebración de esta agrupación fue entre 2011-2012 cuando nos encontrábamos en Europa. Una gira mundial  que ha diferencia de las penurias que tuvo Bach para ver a su maestro Buxtehude, este periplo duró dos años, recorrieron el planeta por los cuatro ámbitos: de Italia fueron de conciertos por Australia,  Nueva Zelanda,  Alemania, China, Corea hasta Estados Unidos, volvieron a Europa presentándose en varias ciudades de  España hasta Rusia, y pare de contar, siempre en las mejores salas de conciertos han disfrutado del encanto y la humanidad de I Musici.

Y gracias a las nuevas tecnologías, he podido presentar la versión completa sin cortes ni ediciones. En una hora y media que duró el diálogo nos propició, un fascinante descubrimiento: de su formación, el renacimiento del Barroco y Vivaldi, la experiencia límite con repertorios modernos, la pasión por la investigación y esa semblanza suya de compositor y solista. Años de formación escolástica que van desde la ejecución instrumental, la composición e investigación musicológica y culminan en  la dirección de orquesta, todos atributos inalienables, han convertido a París en el pilar fundamental de este conjunto instrumental de cámara. Son varias décadas de trayectoria.

Se le atribuye a I MUSICI y con justa razón, haberle aportado a ese oyente contemporáneo, una posibilidad, de pacificación de la existencia, la enorme fascinación y filiación por el timbre delicado, una especie de embrujo por transparencia sutil de la música barroca, hasta convertirla en un acontecimiento natural de la industria cultural musical del presente. Alejado de cualquier delirio retrospectivo, París nos guió hacia una demostración: todo lo que puede hacer una agrupación de cámara cuando de investigación permanente se trata, tomado como acción fundamental ese infalible respeto a la rúbrica del compositor, al universo de su discurso y sobre todo a su demarcación en cuanto arte y estilo.

Escuchamos detenidamente sus respuestas, nos brindó una crónica artística, vivida día a día, en una faena de “arqueología musical” en pos de una lograda revitalización, inédita por demás, del macrocosmos vivaldiano y del barroco, constatamos algunas especulaciones que sostuvimos en nuestro oficio oficio solitario de crítico musical, sin duda amplió nuestra visión, para abordar lo que abrazamos hoy, que nos ubica en nuestra etapa de pensamineto musical: la exploración de la estética musical.

París, es de temperamento sereno, no avisaba para emitir una carcajada de humor,  era un extracto literario, una necesidad de expansión que se escapaba abiertamente en la exposición de un pensamiento musical peculiar, que “se piensa asimismo”, recordando a Aristóteles, pero, más bien se convertía en un brote kinestésico, donde el humor no podía faltar. Massimo París nos mostró con claridad su itinerario artístico, la cotidianidad creativa como compositor de urgencias, y sólido solista de su instrumento, la Viola moderna e instrumentos originales. Nos parecía remoto a la vez meritorio recordar con él aquel momento en 1978, cuando solo contaba con 23 años y fue llamado por I MUSICI. Desde hace décadas todo se sabe. París es el Director Artístico de I MUSICI, una agrupación número uno en el mundo, estelar en Japón, y me imagino en la esfera no-occidental del mundo, pero, que sobre manera, nos reafirma su imagen y talento perseverante e incesante .

JLM:  Yo quisiera que comenzáramos hablando de lo que ha sido su carrera artística antes de ser una figura reconocida como miembro y director artístico de I MUSICI y esa particularidad que usted tiene como solista investigador, pedagogo y artista, además de director de orquesta.

M.P: Yo vengo de una familia de artistas, mi madre me puso a tocar el piano y el violín como todo niño, después de 9 a 10 años, lo hice seriamente en el Conservatorio de Santa Cecilia de Roma antes con la de viola y luego tuve dos cursos conjuntos Viola y Composición. Después de la composición estudié dirección orquestal.

JLM: Estudio con Sandor Vegh…

M.P: Después del Diploma del Conservatorio hice muchos cursos y masters-class en el exterior, en Suiza, con un maestro muy famoso que se llama Conrado Romano que es el mismo profesor de Uto Ughi de la escuela violinista de Flesh. He tenido en donde se encontraban Conrado Romano, Erick Scheringer, Max Roselan, verdaderas figuras del arte instrumentista.

JLM: Al margen de ello, ¿Cuál es la distinción entre Galamian y Flesh?

M.P: Si, yo nunca estudié con Galamian –dijo riéndose-  la escuela de Flesh es muy bonita tanto técnica como artísticamente, la escuela de Galamian pienso es una escuela fantástica porque de ella han surgido muchos violinistas importantes. Con la Viola, estudié con Bruno Giranna, también en la música de cámara Sandor Vegt, Ricardo Bringola en Siena y Córdova además con Franco Ferrara en la Dirección de Orquesta, esa es mi formación musical.

Al mismo tiempo, muy joven comencé  a trabajar como músico de cámara cuanto tenía 16 o 17 años, después estuve cuatro años con los Virtuosos de Roma, un grupo muy célebre de Renato Casano. Después de los Virtuosos de Roma, en 1978 ingresé como integrante  de I  MUSICI, ellos reconocieron mi valor como músico de cámara, era un joven de 23 años, desde entonces he continuado mi actividad como director. Desde hace cuatro años soy director artístico y Presidente de I MUSICI muchos años de trabajo como agrupación de música de cámara.

Renacimiento de Vivaldi

JLM: Quería preguntarle sobre la especialización de I MUSICI por periodos históricos específicos, fenómeno que ha ayudado tanto al espectador contemporáneo.

M.P: Usted sabe, Vivaldi hasta 1940 no era conocido. La primera vez en Siena se comenzó a tocar su música, pienso que I MUSICI, fue uno de los grupos que impulsó este renacimiento de Vivaldi en principio con el estilo de tocar, la música barroca sin director, que es una particularidad de I  MUSICI.

JLM: …..y es una particularidad del Barroco

M.P: Naturalmente, una particularidad del Barroco también ya que por ejemplo, en los virtuosos de Roma acabaríamos con el Director Renato Posano. Pienso, que I MUSICI ha creado un estilo realmente de la interpretación de la música barroca, particularmente de la música barroca italiana.

JLM: ¿Son todos solistas y respectan el sentido vivaldiano en la relación solista-tutti, la alternancia de protagonismo?

M.P: Lo más importante de un grupo como I MUSICI es que no ha cambiado muchísimo. Realmente, una agrupación que tiene muchos años no ha tenido la necesidad de cambiar. Es un grupo que se ha mantenido casi con los mismos integrantes, hay ahora cuatro del primer concierto.

JLM: ¿Que diferencia hay entre I MUSICI en relación a esas agrupaciones también especializadas en repertorios como por ejemplo. The English Concert. The Academy Ancient Music Loecki, Stardust Quartet y Música Antigua Koln?

M.P: Con los últimos estudios filológicos hay un retorno a la ejecución del barroco con el “La” más bajo,  nosotros tenemos instrumentos originales, de la época de Vivaldi y en sus antecedentes, como dijo la crítica internacional “I MUSICI tiene un sonido legendario”.

JLM: Hay algunos factores como el alto costo de las grabaciones, las presiones del mercado masivo de bienes culturales y del mercado discográfico que han condicionado a la producción musical. Ya Celibidache puntualizó sobre el efecto perverso del disco procesado. ¿Ha afectado a la experiencia de I MUSICI del mercado discográfico? ¿Les pone limitaciones el mercado del disco?

M.P: ¿Limitaciones de que tipo?

JLM: En cuanto a grabaciones, tiempo de grabar en los estudios..

M.P: No. El tiempo es libre. Normalmente, nosotros sabemos cuanto tiempo necesitamos para grabar un disco, tenemos una idea, antes de hacer el disco vamos a hacer ensayos. El período es de 2 a 3 semanas para hacer el disco. En cuatro o cinco días.

JLM: ….y los ensayos?

M.P.: Ensayamos uno o dos años antes, a veces grabamos música que ya hemos tocado muchas veces en todo el mundo, es una música que está prácticamente explorada a fondo, a través de una investigación musicológica.

JLM: Precisamente, como sabemos que I  MUSICI  ha investigado a fondo a lo largo de su trayectoria y en esa dirección que usted le ha dado, podría decirnos ¿Cuáles han sido esos nuevos descubrimientos?

M.P:  Como dije antes, el problema de la Filología ha cambiado un poco la manera de cómo era I MUSICI, desde un comienzo, hace varias décadas, a como es hoy, por ejemplo los “tempi” son distintos, otra cosa los ritmos, tal vez hay figuraciones que están escritas en “tempi binario”, cuando la música barroca se toca con el ternario. Otro hecho que no se hacía hace décadas, muy importante, es el advenimiento de la ornamentación, particularmente, para el Cébalo, todas las cadencias, también ha cambiado un poco la manera de tocar con el arco.

JLM: Hablando de digitaciones, tan malogradas en el mundo contemporáneo, ¿Se podría sustituir la “cuerda al aire”?

M.P: Yo pienso que la cuerda al aire es insustituible – dijo riéndose –

JLM: Me parece maravilloso…

M.P: Particularmente, con la Viola d ‘Amore hay más resonancia con la cuerda al aire, es importante disfrutar lo más que se pueda. Yo respondo con una pregunta, ¿Si usted escucha un disco de un violinista de ahora, como Mintz o Perlman usted escucha una manera de tocar de Kreisler, de Ubermann, de violinistas de inicios del siglo, ¿Se comprueba que ha habido un enorme cambio en la manera de tocar? Un cambio enorme, también la época de hace treinta a cuarenta años antes, como con Heifetz que tenía una manera más virtuosa y brillante de ejecutar su instrumento.

Ahora, se piensa mucho más en el texto musical que al disfrute del virtuosismo  solamente para mostrar la técnica. En la época de hoy hay muchas ediciones que buscan limpiarlas de lo que se hizo en el siglo pasado, como por ejemplo en las arcadas, la dinámica, corregir un fraseo atravesado, donde era “Spicatto” estaba escrito “Legatto”, etc.  Se busca retornar a la ejecución y el fraseo original, por ejemplo, de las obras de Mozart y Beethoven.

JLM: ¿Ha grabado recientemente obras que lo incluyan como solista?

M.P: Grabé dos discos, me parece que en el 86 y 87, que son los seis Conciertos para Viola D’Amore y Cuerdas de Vivaldi en diferentes tonalidades. Yo los he grabado con un instrumento de 1748 y con un arco original barroco, tomé todos los manuscritos que estaban en el microfilm de la Biblioteca de Turín, allí hay cinco y uno está en Dresde, los comparé con la edición de Vivaldi de Ricordi, para tratar de estar lo más cerca posible de los originales, después vino el estudio particular sobre la ornamentación, todos esos problemas de ritmo, y otras cosas que ya he hablado antes.

JLM: Es decir, ¿La investigación la realiza tanto el grupo I MUSICI, como usted en su tarea de solista?.

M.P: Exactamente, creo en la verdad musicológica.

JLM: Tomando en cuenta que para los comienzos de I MUSICI se había señalado cierta crisis del sinfonismo ¿Considera usted que su agrupación llenó ese vacío?

M.P: Yo pienso que una de las cosas importantes del suceso de la música barroca es que, es una música accesible, fácil, tiene ideas y al mismo tiempo es sencilla. Para una persona escuchar la Sonata 109 de Beethoven  un Cuarteto de Beethoven es más difícil que una obra de Vivaldi. La música barroca, al mismo tiempo que es fácil, más tiene adentro muchas ideas, como por ejemplo Las Cuatro Estaciones, La Stravaganza o el L’Estro Armónico que son realmente catedrales musicales.

MAS ALLÁ DEL BARROCO

JLM: A propósito del repertorio de I MUSICI ¿Cuál es la experiencia  con nuevos repertorios?

M.P: Normalmente, como Director artístico yo trato de hacer programas nuevos, algunos de música italiana, otros de Vivaldi.  La gente o los críticos preguntan porqué no toca I MUSICI música moderna. Eso no es verdad, porque tenemos un programa de música moderna, que incluye una Serenata de Elgar, un Concierto para Violín de Valentino Bucchi, una pieza muy interesante de Joaquín Turina para Viola, Piano y Cuerdas, obras de Schubert, un Divertimento de Mozart.

JLM: En relación al repertorio musical latinoamericano, Villa-Lobos por ejemplo, ¿Hay sorpresas para el futuro?

M.P: Es posible, Hemos grabado recientemente obras del siglo XX, Resphigi, Elgar, Barber y un Concierto de Nino Rotta que está escrito para I MUSICI, este autor es conocido por sus composiciones para filmes de Fellini y ganó Oscar con la música de El Padrino de Coppola. Era un pianista fantástico, un gran músico clásico, director del Conservatorio de Música de Bari.

JLM: Recuerdo nos visitó Sandor Vegt aquí en Caracas, quien es en mi opinión un  monumento viviente de la Dirección Orquestal, además fue su maestro. Vegt señaló a la prensa venezolana y a los críticos, que no se proponía ir a buscar a Mozart a su época sino que nos lo traería al presente. Ustedes, han ido al Barroco. ¿Qué reglas considera I MUSICI inviolables? ¿Qué códigos respetar? ¿Qué hay que renovar, en la forma “Concerti”, por ejemplo?

M.P: Pienso que hay que respetar lo que el autor escribe, muchos autores tienen muchas cosas escritas, que luego el intérprete lo cambia todo, después el signo musical,  que no es suficiente para la ejecución. ¿Hay que interpretar el “Porque” de lo que significa “piano” o “forte”? pues nada, depende del autor, del día, de la acústica o en fin de con quien estás tocando. Hay muchos problemas de equilibrio, existe un radio técnico muy amplio, esto también depende de la sensibilidad del intérprete, pues se puede hacer un “Allegro” de muchas maneras distintas, tal vez no es una  cuestión de rapidez de tiempo, es una cuestión de pulsación rítmica, por ejemplo, usted puede tocar el “Molto Perpetuo” de dos maneras distintas. Me recuerdo de una grabación de Hiefetz  que pareció “velocísima”, más no es tan rápida, poseía una precisión increíble, siempre más rápida que otra más rápida, más no perfectamente pulsado, por lo tanto ese es uno de los problemas.

JLM: Mas allá del hecho de que el japonés busca mucho a Occidente, que trata de “imitar” lo Occidental, en el caso de I MUSICI como portavoz de Vivaldi en Japón y en el caso de los japoneses, se produjo una identificación con Vivaldi – por ejemplo Las Cuatro Estaciones – debido a que las piezas, las notas y en general la música es muy parecida a la poesía tradicional japonesa conocida como “Haiku”. ¿Qué podría decirnos sobre eso?

M.P: Las obras de Vivaldi, particularmente Las Cuatro Estaciones, son hoy famosas por muchas razones, pero en Japón hay una tecnología refinada, pero además, al mismo tiempo los japoneses tienen una enorme tradición cultural de respeto a la naturaleza, por ejemplo todos los sitios sobre todo en los hoteles, hay allí un jardín, hay un respeto por la naturaleza. Las Cuatro Estaciones se constituyen en uno de los principales ejemplos entre la música porque es la representación de la naturaleza.

JLM:  Existen otros escenarios mundiales donde solicitan mucho a I MUSICI, Estados Unidos, Australia. ¿Han ido a los países ex – socialistas, a la ex – Unión Soviética?

M.P: Bueno a la ex – Unión Soviética nunca. Tenemos un mercado internacional en todo el mundo, comenzando por Australia, Japón, el Medio Oriente, esa parte de Tailandia, Corea, Hong-Kong, hasta concretamente toda la Europa, Estados Unidos y América Latina, nos falta el Polo Norte – afirmó riéndose – un poco la parte de Arabia porque naturalmente tienen una tradición musical diferente.

JLM: Se necesita atender el equilibrio, el estilo de escritura. ¿Nombraría algún ejemplo?

M.P: Puedo hablarle de la Sonata de Schostakovich, el tercer movimiento, que hay esa cosa increíble, tiene uno que interpretar esa cosa, hay una sonoridad lunar en algunos puntos. No sé si me entiende…

JLM: Si le entiendo, sobre esa parte en la experiencia con Schostakovich, particularmente pudimos apreciar un estilo declamativo, por su parte, donde agrega histrionismo, dramatización, pareciendo que le invadiera un personaje… A propósito de lo que representan hoy en día esas figuras aparentemente alejadas del mundo moderno, como Vivaldi, Corelli y Albinoni ¿Cuáles han sido las cosas diferentes que nos ha traído I MUSICI al presente?

INVESTIGACIÓN CONTÍNUA

M.P: … es una pregunta dificilísima. Usted, cuando se levanta en las mañanas mira al sol, pero no lo mira cada día de la misma manera. Yo no toco de la misma manera cada día, yo lo que creo es en el fruto de una exploración, de una continua investigación, es lo que yo trato de enseñar a los alumnos, ese derecho… el derecho y el deber de cambiar, la necesidad de cambiar, porque no quiero dejar un estereotipo en una ejecución.

Tengo muchas piezas que yo las he tocado por muchos años porque están en mi repertorio, cada vez que yo las voy a ejecutar inicio todo como si fuera la primera vez, algunas veces descubro una posibilidad diversa de interpretarla, de allí lo importante de la investigación continua.

JLM: Colocándonos en el mundo contemporáneo, ciertamente la tecnología digital ha proporcionado un nuevo cuadro, ha dado una nueva experiencia audio-perceptiva para apreciar las artes y estilos diferentes  como en el barroco, la música contemporánea y otras expresiones, e incluso, en el ámbito de la música popular contemporánea. ¿Qué opina de la existencia de la tecnología digital para las grabaciones?

M.P: Yo pienso que el disco, las grabaciones digitales y analógicas constituyen un importante “Media” para aproximar a las personas a la música, ese es un medio para conocer, pero jamás podría sustituir el concierto en vivo, porque el concierto en vivo es una magia que se hace conjuntamente entre el público y artista, el disco es una cosa más fría.

JLM: Sin embargo, el éxito discográfico que tuvo I MUSICI en Japón, ha sido sin precedentes, creo que históricamente Vivaldi ha vendido más que The Beatles, Beethoven o el mismo Michael Jackson.

M.P: Puede ser –dijo riéndose- I MUSICI comenzó sus visitas a Japón hace 20 años, después cada año es un suceso, suceso y como es sabido eso se refleja en un trayecto o gira cada vez más largo y ahora somos estrellas de primera importancia en Japón con la música de cámara. Pienso, que I MUSICI, que nuestra agrupación es la primera en su género. Vamos a Japón ahora en el 93.

UN MÚSICO TOTAL

JLM: ¿cuál ha sido el autor que más lo ha llenado? ¿Cuáles han sido los compositores que más lo han alimentado como solista?

M.P: Mi amor de siempre, desde cuando era niño fue Mozart, después Schubert. Una filiación para con ellos es que yo nací en Febrero, Soy Acuario…

JLM:……Yo también soy Acuario.

M.P:  Acuario, como Mozart o Schubert. Tengo realmente  una afinidad electiva con esa música, las obras de Schubert para música de cámara, el Quinteto, los últimos Cuartetos como la Trucha…

JLM: Hemos hablado de la forma del “Concerti”, pero ¿Qué otros aspectos considera usted importantes como alimento para el intérprete? Por ejemplo en el sinfonismo, la ópera, etc.

M.P: La música es amplia y existen cosas muy bellas, es difícil hacer una selección, por ejemplo te preguntan ¿Quién te gusta como pintor? Se puede decir Leonardo, pero, ¿Vamos a dejar a fuera a Miguel Angel o al período impresionista? En le arte no se puede hacer una selección o clasificación, lo he dicho muchas veces, yo soy un músico total, me gusta toda la música, desde mi investigación continua de la música barroca hasta la última vanguardia.

JLM: En su reciente recital en Caracas incluyó usted una Sonata de Schostakovich ¿Qué nos puede decir acerca de lo que representa esa obra para usted?

M.P: Esa obra representa algo especial, me encanta “muchísimo”, particularmente el tercer movimiento. Tuve la fortuna de tocársela al maestro Schostakovich en Nueva York, se contentó “muchísimo” conmigo y me dio algunas sugerencias, supe lo que pensaba de mi ejecución… Esa Sonata la viola tiene más el rol de solista, el piano está tratado particularmente en el tercer movimiento, como una percusión, sobre todo en las notas bajas.

JLM: … y en relación a la obra de Brahms?

M.P: No puede tocársela a Brahms –dijo con una sonrisa-  es una pieza que he ejecutado durante muchos años y me han acompañado muchos artístas. Originalmente, es una obra escrita para clarinete y Bramhs mismo hizo la transcripción para Viola.

En mi caso particular, no me gusta mucho la transcripción para Viola que hizo Brahms, ya que no cambió la parte de piano y la parte de Viola resultó sofocada. Para tocar una versión más cercana al clarinete subí a una Octava más alta, es realmente  más virtuosística para la viola porque el clarinete tiene más posibilidades, me gusta más por el equilibrio que tiene con el piano.

JLM: La viola ha sido un instrumento poco tomado en cuenta como instrumento solístico ¿Porqué?

M.P: El problema de la viola es que fue ejecutada al inicio de 1700 como lo mismo que paso con la Viola D’Amore en la época de Vivaldi, donde este autor escribió 8 Conciertos, luego vino Stamintz. Después del 1700 faltaron las composiciones para viola, ya que el protagonista era el violín, el piano y un poco de violonchello, esto abarca sobre todo el período romántico. La viola viene entonces relegada y es ejecutada por el “violinista malo”….

JLM:…. ¿Violinista malo?  Solo aparentemente,

M.P: … Cierto, solo aparentemente, la viola tiene rol en la música de cámara, pero al mismo tiempo falta interés de los compositores, porque muchas piezas han generado un encuentro de un solista como los compositores. Muchas de las piezas para clarinete de Brahms fueron escritas porque él tenía un  amigo clarinetista, un famoso solista. Brahms escribía el Quinteto, estas Sonatas y el Trío. La misma cosa pasó con el Concierto para Violín, ya que él era muy amigo del violinista Joschim. Hay intereses que favorecen a los solistas por el hecho de poner a los compositores a escribir para ellos.

JLM: Ahora, hay épocas históricas que marcan el protagonismo de un instrumento, el violín es de Paganini, y aunque Mozart escribió un concierto para Arpa y Flauta, ese es un instrumento de Ravel. ¿De quién es la viola?

M.P: El descubrimiento de este siglo es la viola. Ese descubrimiento de la viola  obedece a dos motivos fundamentales, uno, un poco de descanso del timbre del violín y del piano, es una exploración de nuevos timbres y sonoridades. Al mismo tiempo, es la posibilidad de nuevos solistas de nivel extraordinario que pueden competir con los violinistas…

La manera de escribir para viola, me refiero a la parte orquestal… Hay una carta de Bartok a Menuhin donde le indica sus apreciaciones sobre la orquestación, en sus composiciones hay una herencia del folklore húngaro.

Hay muchas obras nuevas para viola, actualmente, por ejemplo un Conceirto de Penderecki, autores alemanes jovenes, Rihn, Zimermann, Berio, que tiene dos “Secuencia para Viola Sola” y otra pieza con instrumentos de Orquesta, hay también obras de Salvatore Sciarrino, una pieza de Viola Sola de Godofredo Patrasi, Franco Manninino, hay muchas cosas interesantes…

JLM: Siguiendo en el ambiente italiano ¿Cómo ve usted la realidad musical italiana?

M.P: ¿La situación de que?  ¿de conciertos a educación?

JLM:  Musical. De producción, en el sentido de compositores, creadores, luego de divulgación es decir de Orquestas, Grupos de Cámara, apoyo institucional y de difusión o circulación, esto es, disqueras, repertorio italiano grabado y editado, en fin repertorio italiano difundido…

M.P: En Italia, como en el pasado hay una tradición cultural milenaria, eso es importante… además es particularmente en realidad. Estamos acostumbrados a las obras de arte, lugares como Venecia, tenemos esta tradición de todos los instrumentos de teatros importantes como Santa Cecilia de Roma, La Scala de Milán o el San Carlos de Nápoles, entran muchos otros y además orquestas de nivel internacional….

JLM: Y… el apoyo a los compositores nuevos?

M.P: Eso es muy importante, hay muchos compositores italianos que son hoy representativos en el mundo, como Luciano Berio.

JLM: ¿Cómo está la situación de las orquestas sinfónicas en Italia?

M.P: Bastante buena, muy buen nivel como por ejemplo la Orquesta de Scala de Milán, Santa Cecilia y San Carlos de Nápoles. Existen en Italia aproximadamente  70 Conservatorios y hay personas de nivel internacional que son profesores comenzando por I MUSICI, o de personas que han enseñado como Carmirelli, Accardo. El nivel es muy bueno, me parece que comparando Italia con América o Rusia resulta Italia pequeña, pero si se compara con Florida la diferencia es notable, aunque tenemos que comparar a Estados Unidos con Europa y no con Italia.

JLM: Usted se desempeña en varios roles, es violista, solista profesional de la música de cámara, compositor y director de orquesta. ¿Qué me puede hablar de su reciente producción como compositor?

M.P: En este momento tengo una pequeña falta porque he hecho muchas obras, particularmente de música de cámara, que es lo que a mí me interesa, más he escrito un Trío para Violín, Violonchello y Piano, un Trío de Cuerdas, un Duo de Violín y Viola, una Fantasía para Viola Sola, Concierto para Clavecín y 15 Solistas, Tres Obras para Orquesta Sinfónica. En este momento estoy muy interesado, pero no tengo tiempo para componer.

JLM: ¿En cuanto tiempo se hicieron esas obras? ¿Se han estrenado o grabado?

M.P. Todas las obras se han estrenado, más no se han grabado y las hice en los últimos 12 años. En este momento de compositor lo que me interesa más es escribir cadencias para los instrumentos, hacer revisiones y transcripciones de obras existentes.

He realizado una reducción de la Sonata de Paganini para Gran Viola, que es hecha para una orquesta de cuerdas y la toqué con I MUSICI recientemente, también me interesan las ornamentaciones y cadencias para I MUSICI, muchas de las cosas que hemos grabado yo he escrito la cadencia.

JLM: Y en relación a la parte pedagógica, ¿Cuál es su trabajo en ese sentido?

M.P: Soy profesor titular de la Cátedra de Viola del Conservatorio de Santa Cecilia, tengo Cursos y Master-Class de alto nivel en Italia. En 1991 realicé uno de estos cursos precisamente aquí en Caracas, en la Sede del Teatro Teresa Carreño.  He tenido la oportunidad de escuchar profesores integrantes de las orquestas profesionales de aquí y tengo que congratularme con el nivel. Me interesa la parte educativa, para transmitirle sobre todo a los alumnos mi experiencia y también me enriquece el comunicarme con los jóvenes, compartir esta experiencia.

JLM: ¿Le han dedicado algunas obras o escrito piezas que usted ha estrenado?

M.P: Si de compositores italianos, una de Viola D’Amore, flauta, Clavecín y Orquesta de Marco Ficinna, otra pieza que toqué de estreno mundial de Irma Lavinalli que se llama Diálogo para Viola, Guitarra y Orquesta Sinfónica.

JLM: ¿Planes futuros?

M.P: “Muchísimos”, me interesa seguir con mi investigación, mantener mi nivel internacionalmente reconocido, sin ningún compromiso, y seguir humildemente con mi trabajo.

JLM: ¿Qué opinión le merecen esas nuevas figuras que están acercándose al mundo de la Dirección Orquestal como Salvatore Accardo, Plácido Domingo, en fin artistas que son solistas pero les interesa el mundo de la Dirección de Orquestas?

M.P: Yo he hecho la misma cosa, pero estudié Dirección de Orquesta en 1976, ahora tengo un poco de experiencia, pienso que en algunos casos es una cosa fantástica que una persona que ha trabajado muchos años sus instrumentos, que conoce realmente las posibilidades de ese instrumento, busque ser Director. Hay casos que son excelentes como Director y Solistas, existen otros que son mucho mejor como solistas y no se les puede comparar como Directores o el caso contrario.

JLM: ¿Acaso la presencia de esas figuras favorece al ambiente musical mundial?

M.P: Seguramente, como Rostropovich, Azkesnazy que son muy buenos en ambos casos.

JLM: ¿Cuándo estaría nuevamente por Venezuela o América Latina?

M.P: Ahora no lo sé, aunque hay algunos proyectos para visitarlos a finales de 1992 con el Festival Internacional de El Hatillo organizado por el pianista venezolano Leopoldo Betancourt y que se realiza en la ciudad de Caracas, al cual he concurrido en dos oportunidades, o para dirigir algunas de las orquestas de Caracas. Ahora, para I MUSICI la visita a Caracas probablemente sea en el año 1993.

Precisamente, I MUSICI está celebrando en 1992 sus 40 años, desde el 31 de Marzo, pienso que esto es el reflejo de un trabajo increíble, ejemplo lo que ha hecho I MUSICI y lo que puede hacer una agrupación de música de cámara.

Miembros de I Musici y sus instrumentos

Violines:
Antonio Anselmi, N. Amati – 1676 Cremona
Marco Serino, N. Amati -1661 Cremona
Ettore Pellegrino, G. Cappa – 1675 Saluzzo
Pasquale Pellegrino, V. Postiglione – 1880 Napoli
Francesca Vicari, T. Balestrieri – 1750 Mantova
Gianluca Apostoli, G. Pressenda – 1821 Torino
Violas:
Massimo París, P. Guarneri -1697 Mantua
Silvio Di Rocco, Blaurock – G. Da Salò – 1600 Brescia
Violoncelos:
Vito Paternoster, L. Carcassi – 1780 Firenze
Pietro Bosna, L. Storioni – 1791 Cremona (cortesía de M ° P. Lacchio)
Bajo:
Roberto Gambioli, C. Farotto – 1935 Milano
Clavicémbalo:
Francesco Buccarella, F. Bettenhausen – copia Rukers 1993 Haarlem

(*) Filósofo, músico, escritor y diplomático

j.lopezmujica@laposte.net


JOAQUIN LÓPEZ MUJICA

Nacido en Caracas en 1957. Filósofo, músico, escritor y diplomático.. Graduado en la Universidad Central de Venezuela. Miembro fundador del El Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela. Profesor durante 16 años. Estudios de Sociología y Economía.  Profesor en la UCV de Teoría Estética, Critica Musical e Ideas Estéticas en América Latina y otros seminarios. Estudios de Postgrado en la Universidad Simón Bolívar. Estudios de Especialización en Política Exterior y Diplomacia Cultural en el Instituto de Altos Estudios Diplomáticos ¨Pedro Gual¨. Profesor en el postgrado de la Universidad Nacional Experimental Simón Rodríguez en la Especialización en Gerencia Cultural. Fue profesor fundador del IUDEM –Filosofía del arte, historia de la cultura y la música moderna. Miembro fundador de la Orquesta de Instrumentos Latinoamericanos ODILA. Trabajó como Asesor Adjunto a la Dirección del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Ha sido miembro del Programa de Personalidades Extranjeras de Francia y su trayectoria aparece en la Enciclopedia de la Música en Venezuela. Ha dictado conferencias en Venezuela, Países Bajos, Portugal, Inglaterra  y Noruega. Como escritor  y editor –pionero en ediciones electrónicas en su país- ha publicado numerosos ensayos, escritos y entrevistas sobre arte, cultura y política. En  el 2006  publicó  en Venezuela  La Proclamación de lo Sagrado, 2006  y escribió el prólogo de Crítica a la Evolución de la Pintura Occidental en Ortega y Gasset de Ángela Calzadilla, 2005. Se desempeñó como Director del Programa Cultural (Flor de Venezuela) en la Expo Universal Hannover 2000.  Entre el 2004-2005 fue integrante del equipo de Análisis Estratégico de la Vicepresidencia de la República y en 2005-2009 fue Encargado de Asuntos Culturales y Prensa de la Embajada de la República Bolivariana de Venezuela en el Reino de los Países Bajos. Como curador de Artes Visuales ha realizado exposiciones en Alemania, Holanda, Reino Unido, Portugal y Venezuela, en esta última en el Museo de Arte Contemporáneo donde ha sido musicalizador, programador y adjunto a la dirección.  En el 2012, fue merecedor de una Mención Honorífica del Premio Nacional de Literatura. Mención Ensayo por su obra intitulada Teoría Crítica de la mentira Mediática.  En la actualidad, como especialista en Política Exterior y Diplomacia Cultural  es invitado permanente a dictar Cátedras, Cursos y Conferencias -en Instituto de Altos Estudios Diplomáticos “Pedro Gual- los cursos de Política y Gestión  Cultural y  Diplomacia Cultural Bolivariana. Desde su regreso en el 2012, de su Misión Diplomática en Europa se desempeña como Asesor de Comunicaciones de Fundamusical Simón Bolívar-El Sistema, simultáneamente con el Centro Latinoamericano de Música-Celam manteniendo columnas en diferentes periódicos del país, dictando conferencia y participando en diversas iniciativas editoriales e intercambio cultural internacional.