Vía: El País Cultural.com | Jorge Fondebrider

Niño prodigio en su ciudad natal, donde, en 1951, a los once años, ya era pianista solista con la Chicago Symphony Orchestra, interpretando el “Concierto para piano en Re Mayor” de Mozart, y el “Concierto Brandenburgués Nº 2” de Bach, Herbie Hancock (1940) es hoy una de las grandes estrellas internacionales del firmamento del jazz. Su concierto en Montevideo será el 16 de agosto.

Herbie Hancock

“Herbie venía a estar como un paso más allá de Bud Powell y de Thelonious Monk, y todavía hoy no he oído a nadie que lo sobrepase”. En esos términos se refería Miles Davis en su autobiografía a quien fuera el pianista de su segundo gran quinteto entre 1962 y 1967. Ese lapso además coincide con su primera etapa en el sello Blue Note, donde grabó como líder algunos de sus mejores álbumes, participando además en muchísimas grabaciones: integrando los grupos de los trompetistas Donald Byrd y Lee Morgan, con los saxofonistas Pepper Adams, Stan Getz, Sonny Rollins, Jimmy Heath, Wayne Shorter y Stanley Turrentine, con los guitarristas Grant Green, West Montgomery y George Benson, con el vibrafonista Bobby Hutcherson, con el baterista Tony Williams. Todo eso y la exposición que le permite el quinteto de Davis contribuyen para que, hacia 1967, Michelangelo Antonioni le encargara la composición de la banda sonora de Blow Up, la película con David Hemmings y Vanessa Redgrave, inspirada en el cuento “Las babas del diablo”, de Julio Cortázar.

-Quizás es mejor no hablar de las Islas Británicas en Irlanda…

Para entonces, Miles Davis mediante, el jazz comienza a electrificarse y otro tanto sucede con los miembros de sus grupos. De ese semillero surgen entonces Weather Report (de Wayne Shorter y Joe Zawinul), Return To Forever (de Chick Corea), Lifetime (de Tony Williams), Mahavishnu Orchestra (de John McLaughlin), Eleventh House (de Larry Coryell) y el jazz empieza a ser “jazz-rock” o también “fusión”. “Herbie -escribe Davis- era un maníaco de la electrónica y cuando salíamos de gira dedicaba un montón de tiempo a comprar artilugios.”

El resultado de toda esa tecnología fueron los Headhunters, la banda electrónica de funk y rhythm & blues con la que en 1973 graba el disco homónimo que vende más de un millón de copias.

Así, para entonces, las líneas centrales de la carrera de Hancock ya están trazadas. El tiempo de este budista practicante se divide entre sus proyectos de jazz, sus incursiones en la música para el cine y la televisión, y los otros proyectos que oscilan entre lo estrictamente comercial y los gustos personales que quiere darse. En conjunto, todo eso hace de él uno de esos personajes de difícil ubicación en el mundo estricto y acotado del jazz a secas. Así, un día puede vérselo grabando con Joe Henderson, Michael Brecker o Pat Metheny, y al día siguiente convocando a una plétora de grandes músicos -Dexter Gordon, Chet Baker, John McLaughlin, entre otros-para componer la banda sonora de `Round Midnight, de Bertrand Tavernier -por la que en 1986 recibió un Oscar de la Academia-, sin omitir producciones comerciales como The Imagine Project, donde graba con cantantes pop de varios países en los respectivos idiomas de cada una de ellos. Probablemente, por todas esas razones, que tanta notoriedad le han dado, en 2011 la UNESCO, siguiendo una tradición ilustre, lo designó como embajador de buena voluntad de esa institución, para la que en 2012 presentó un proyecto que, aprobado por unanimidad, hace del 30 de abril el Día Internacional del Jazz. Sobre eso y otras cuestiones conversó desde Los Ángeles por vía telefónica antes de llegar al Río de la Plata.

El jazz y nuestro futuro

-Hace algo más de un año, en una entrevista publicada en el Correo de la Unesco, usted dijo que sentía que las raíces del jazz no se limitaban a África, sino a toda la humanidad. Y entre todos los posibles ejemplos que dio mencionó a Irlanda…

-¿Eso dije? ¿Irlanda?

-Así es.

-La verdad es que de todos los países que podría haber mencionado ahora no sé por qué se me ocurrió Irlanda. ¿Habrá sido por los músicos irlandeses de jazz? ¿Por alguna hipotética influencia céltica en el jazz? Bien podría haber dicho Inglaterra. O incluso las Islas Británicas…

-Sí, claro, tiene razón. Seguramente alguien se podría enojar mucho… Si mal no recuerdo, esa entrevista tuvo lugar cuando la UNESCO, a partir de un proyecto que presenté, decidió declarar el 30 de abril como Día Internacional del Jazz.

-Efectivamente, y este año esa iniciativa ya empezó a tomar cuerpo, a tal punto que en París, Buenos Aires y Montevideo, entre muchas otras ciudades, hubo festejos y conciertos.

-Tengo entendido que las actividades empezaron en Auckland, Nueva Zelanda y abarcaron 196 países. Ese día yo estaba en Estambul.

-¿Cuál es, en su opinión, la necesidad de tener un Día Internacional del Jazz?

-Es una manera de llamar la atención sobre esa música, cuyos valores pueden ayudar a los jóvenes a ser mejores seres humanos.

-¿En qué sentido lo dice?

-Bueno, el jazz plantea vivir el momento. También nos obliga a trabajar con otros, lo cual es asimismo una forma de aprender a respetar a los demás. Finalmente, a esta altura, constituye un lenguaje internacional que asociamos a la idea de libertad. E insisto, aunque tiene unos orígenes más o menos precisos, que podríamos situar en África o tal vez en los Estados Unidos, hoy es patrimonio de toda la humanidad.

-¿Y por qué cree que es así?

-Tal vez porque es música improvisada y eso ayuda a asociarla con la expresión. Cuando logra expresarse, la experiencia es liberadora. En la UNESCO se ha estudiado el tema y ahora sabemos que, gracias al jazz, a los programas vinculados a la enseñanza de jazz, el nivel general de los estudiantes mejora notablemente en disciplinas como la matemática, la ciencia e incluso la literatura.

-Previamente a la aprobación de esa iniciativa, usted había sido designado embajador de buena voluntad por la UNESCO. ¿Cómo se siente con esa responsabilidad?

-Muy entusiasmado. A mi edad, me siento muy preocupado por el futuro. Y no necesariamente por el mío propio, sino por el de todos los seres humanos que viven en este planeta. Lo primero y principal es la paz. Necesitamos paz para poder ocuparnos de resolver los principales problemas que tenemos como especie: el calentamiento global, el agotamiento de las fuentes de energía, la producción de alimentos; en síntesis, todo lo que se relaciona con la supervivencia en el mundo, no sólo de los seres humanos, sino también de todas las formas vivientes. Está claro que lograr cualquiera de estas metas involucra a la gente de más de un país. No es la gente de un único país la que va a mitigar las consecuencias de, por ejemplo, el cambio climático. Esto es algo que debemos hacer conjuntamente.

-Sus expresiones de buena voluntad son notables, pero, ¿de qué manera podría un compositor y pianista de jazz ayudar a que se produjese el entendimiento necesario para lograr esos objetivos?

-Como le dije, la música une a la gente y, por lo tanto, es parte de ese proceso. Trasciende los límites que nos imponen las diferentes culturas. Podría decirle que, en lo personal, he tocado en todo el mundo, y una y otra vez he comprobado que en todas partes el jazz es una música que gusta.

-¿Y por qué cree que es así?

-Por su flexibilidad. El jazz está en todas partes justamente porque es capaz de reflejar el sabor y las características particulares de cada cultura. De ese modo, estoy seguro de que así como hay un jazz estadounidense, también hay un jazz irlandés y, claro, un jazz argentino y otro uruguayo. De hecho, si me apura, le diría que el jazz es una de las mejores formas que ha asumido la diplomacia cultural. Mire, si no, quiénes son los músicos de jazz que me precedieron como embajadores de buena voluntad…

-Louis Armstrong, Duke Ellington, Dizzy Gillespie…

-Exacto. Todos ellos han recorrido el mundo entero llevando la influencia de la cultura estadounidense, pero también trayendo de vuelta a casa las influencias de las culturas con las que se encontraron durante esos viajes. Así, de algún modo, todos nos hemos vuelto más ricos. Y eso ha sido evidente hasta el punto de que incluso aquellos países con mayores conflictos con los Estados Unidos han querido ser parte de este Día Internacional del Jazz, porque han reconocido la belleza y la importancia de esta música.

Componer canciones.

El cuarteto con el que Hancock se presenta, tanto en Montevideo como en Buenos Aires, está compuesto por James Genus, Vinnie Colaiuta y Zakir Hussain. El contrabajista Genus (n. 1966) es uno de los grandes del momento. Ha tocado con los veteranos Horace Silver, Roy Haynes, Nat Adderley, Benny Golson y Chick Corea, y con músicos de su propia generación, como Dave Douglas, Uri Caine y Branford Marsalis, entre muchos otros. Vinnie Colaiuta (n. 1956), uno de los más importantes bateristas de la actualidad, es un sesionista altamente requerido. Entre sus blasones figuran Frank Zappa (véanse, por ejemplo, Tinsel Town Rebellion y Joe`s Garage), Joni Mitchell, Megadeth, Sting, The Beach Boys, Leonard Cohen y Jeff Beck, y ya del lado del jazz, Chick Corea, Quincy Jones, Buell Neidlinger y siguen las firmas. Sin embargo, lo más intrigante del grupo es la presencia del célebre percusionista indio Zakir Hussain (n. 1951), hijo del gran intérprete de tabla Alla Rakha -compañero de Ravi Shankar- a quien se relaciona, en el terreno del jazz, con John McLaughlin o Jan Garbarek.

-El cuarteto con el que está viajando incluye músicos que, de antemano, despiertan entusiasmo entre el público.

-Hace ya cinco o seis años que trabajo con Vinnie Colaiuta y unos cuatro que James Genus está conmigo. Con Zakir Hussain toqué en algunas oportunidades -alguna vez en India, otra en el Hollywood Bowl-, pero nunca antes estuvimos de gira juntos. Lo conozco desde hace mucho y sé que es un gran músico por el que siento el mayor respeto. Una de las cosas que más me interesan en él es su inmensa flexibilidad. Eso es lo que estoy buscando todo el tiempo. Además, adoro el sonido de las tablas. Quiero ver de qué manera afectan a mi composición.

-¿Va a tocar su repertorio clásico en esta visita?

-Va a haber un poco de todo. Voy a recurrir a algunas composiciones de mi repertorio clásico sin que intervenga Zakir, y también a piezas rearregladas como para incluirlo. Por caso, estoy pensando en “Watermelon Man” o en “Cantaloupe Island”, con tablas. No hay razón para que no pueda ser así.

-Ya que menciona “Watermelon Man”, hace un par de años, en Spectacle, el programa de entrevistas de Elvis Costello, usted comentó la forma en que había compuesto ese tema, inspirándose en la forma de caminar del vendedor de sandías que visitaba su barrio en Chicago. ¿Siempre compone a partir de una imagen?

-Justamente, no. Ése fue un caso muy particular. La mayoría de mis composiciones no comienzan de ese modo, sino con unos sonidos que voy trabajando hasta sacar de ellos lo que necesito.

-¿Cambió con los años su modo de componer?

-Digamos que no tengo una única forma de componer, aunque, por lo general, lo primero que se me presenta es una línea de bajo, pero también puede ser lo que oí en otro músico sin que obligatoriamente se trate de un músico de jazz. Ahora, mucho más que antes, cuando hago un disco pienso en términos de propósitos. Dicho de otro modo, ahora grabo proponiéndome un objetivo previo. Por ejemplo, mi próximo disco va a incluir exclusivamente a músicos muy jóvenes… De hecho, estoy trabajando con Flying Lotus (n. 1983), que es un músico y productor musical originario de Los Angeles

-Es el sobrino nieto de la pianista y arpista Alice Coltrane.

-Y el primo de Ravi Coltrane.

Tocar canciones.

-Antes hablaba de componer en función de objetivos. ¿Cuánto de eso han tenido algunos de sus últimos proyectos? Por ejemplo, hacer un disco enteramente dedicado a Gershwin, u otro sobre la obra de Joni Mitchell, para no hablar del Imagine Project, con músicos de muchos países diferentes.

-Bueno, siempre me gustó ver hasta dónde podía llegar, plantearme desafíos. Pero ahora, como le dije, se suma que pienso mi trabajo en término de objetivos. Ya no me limito a componer temas. Busco un significado que pueda proyectar en dirección a los demás y ésa ha sido mi meta en los casos que usted menciona.

-Le pongo la pregunta de otro modo: ¿qué buscaba cuando se propuso rehacer las canciones de Joni Mitchell, por ejemplo?

-En el principio hubo una sugerencia de una ejecutiva que desde hace años está a cargo de Artistas y Repertorio en la compañía Verve. Ella sabía que Joni y yo somos amigos desde hace mucho. También que siento por ella el mayor de los respetos como compositora y música. Me preguntó entonces por qué no consideraba hacer un disco de canciones de Joni, y a mí me pareció una idea excelente. Además, eso me daba la oportunidad de hacer algo que hasta entonces no había hecho: concentrarme exclusivamente en las letras, en su significado. Es muy común que los músicos de jazz no les prestemos ninguna atención a las letras de las canciones. Yo sabía que me faltaba hacer esa experiencia, por eso fui a donde creo que hoy en día uno va a encontrar el mayor grado de significación y belleza. Joni es una compositora extraordinaria y sus letras son una parte central de la composición. Vale decir, la música se genera en ella a partir del significado de sus letras y pensé que, para trabajar esa música, era central que me concentrara en las palabras. Las leí de todas las formas posibles. Las memoricé. A la hora de entrar al estudio de grabación, hice copias de las letras para todos los músicos y antes de empezar a grabar, les pedí que las leyéramos y las discutiéramos en forma conjunta en el cuarto de los ingenieros de grabación. Eso, ahora sé, tuvo una profunda influencia en la manera en que tocamos.

-En cierto sentido, ¿el proyecto sobre las canciones de Joni Mitchell no podría emparentarse con The New Standard, ese disco de 1996 que usted grabó tratando como standards a una serie de canciones provenientes del pop y el rock? Había temas de los Beatles, de Simon & Garfunkel, de Prince, de Nirvana…

-El nombre de ese disco es más una pregunta que una afirmación. Fue un intento de ampliar el posible repertorio del jazz tratando a canciones pop relativamente recientes de la misma manera en que se tocan los temas del jazz de los años treinta o cuarenta. ¿Por qué no podrían tener esa misma dignidad? Digamos que los que participamos en ese disco – Michael Brecker, John Scofield, Dave Holland, Jack DeJohnette, Don Alias- procedimos con esas canciones del mismo modo en que habríamos procedido con los standards históricos.

Otros músicos.

-Usted tuvo palabras muy cariñosas para con Chris Anderson, uno de sus maestros y un pianista maravilloso que merecería tener mayor reconocimiento. ¿Qué puede decirnos de él?

-Fue un pianista maravilloso, lleno de talento. Lo conocí en Chicago. No grabó muchos discos. Era ciego y además tenía la misma enfermedad que Michel Petrucciani. Se le rompían los huesos continuamente y de eso murió en 2008. Mucho antes había tocado con Charlie Parker y con Von Freeman. Cuando lo escuché, me quedé con la boca abierta: su manera de armonizar era asombrosa y me hizo llorar. De él aprendí muchísima armonía y cómo trabajar las canciones.

-¿Usted fue su alumno?

-En realidad, no. Pero él me permitía ir a su casa y verlo tocar. Yo le preguntaba cosas y él me contestaba. Pasó hace tanto tiempo…

-Ya que habla de hace mucho tiempo, ¿se acuerda de los discos que grabó con Milton Nascimento?

-Grabar con Milton fue fantástico. Wayne Shorter y Milton Nascimento trabajaron las canciones juntos. Fue un verdadero lujo. Para mí, haber contribuido en algo fue un gran honor.

-Para terminar, ¿está escuchando a algún pianista en particular en estos días?

-Fundamentalmente, Robert Glasper. Tiene un talento sorprendente. Le pronostico un futuro brillante. Antes le mencioné a Flying Lotus, quien, de paso, tiene un bajista extraordinario que se llama Thunder Clap. Creo que todos esos músicos están trayendo algo nuevo al jazz, un soplo fresco de novedad que, entiendo, proviene de los intereses de su generación.

Una discografía posible

Quizá los mejores discos de Herbie Hancock sean los que grabó entre 1962 y 1968 para el sello Blue Note: Takin` Off(1962), My Point of View (1963), Inventions and Dimensions(1963), Empyrean Isles (1964), Maiden Voyage(1965) y Speak Like a Child (1968). De la época del segundo quinteto con Miles Davis (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor y soprano), Ron Carter (contrabajo) y Tony Williams (batería), vale la pena escuchar los clásicos Miles in Berlin (1964), E.S.P. (1965), Miles Smiles(1966), Sorcerer (1967), Nefertiti(1967) y Miles in the Sky (1968). De la etapa electrónica, sin duda lo mejor es recurrir al primer álbum de los Headhunters, de 1973. Vale la pena también oír los discos de V.S.O.P., el grupo formado por los ex-miembros del segundo quinteto de Miles Davis, con éste reemplazado por el trompetista Freddie Hubbard: V.S.O.P. Vol 1 (1973), The Quintet(1977) y V.S.O.P.: Live Under the Sky (2004). The piano (1978), un disco solista grabado en Australia, es también una muy buena opción. Otro tanto puede decirse de Herbie Hancock Quartet (1981), donde el trompetita es un muy joven Wynton Marsalis. La ya mencionada banda de sonido de `Round Midnight(1986) también merece buscarse. Con The New Standard(1995), Gershwin`s World(1998) y River: The Joni Letters(2007) pasa otro tanto. Como acompañante en discos ajenos, se recomiendan especialmente Out of This World(1963), de Pepper Adams, All the Things You Are(1964), de Sonny Rollins -donde se alterna en el piano con Paul Bley para acompañar los dúos de saxofón tenor de Rollins con su maestro Coleman Hawkins-, Bob Brookmeyer and Friends(1964), del trombonista Bob Brookmeyer, Speak No Evil(1964) y Adam`s Apple(1966), ambos de Wayne Shorter, Straight Life(1970), de Freddie Hubbard, Jaco Pastorius(1975), de Jaco Pastorius, Lawra(1977), de Ron Carter, Wynton Marsalis(1981), de Wynton Marsalis, Royal Garden Blues(1986), de Branford Marsalis.