Vía: www.granpausa.com/ Publicado: The Strad
Tocar un instrumento no es algo simplemente físico – requiere que las manos del músico, la cabeza y el corazón trabajen juntos en una perfecta combinación. Pedro de Alcántara explica cómo conseguir mejorar la coordinación entre estos tres elementos.
Tendemos a compartimentar diferentes aspectos de nuestras vidas. En una caja ponemos las cosas que consideramos físicas: el cuerpo, el movimiento, la postura, la tensión o la relajación. En otra caja va lo que consideramos psicológico: los estados de ánimo, las emociones, los sentimientos, las opiniones y las suposiciones. Y en una tercera caja metemos todo lo que nos parece metafísico: símbolos, metáforas y conceptos que trascienden en nuestra existencia día a día. Esto determina nuestra conducta. Por ejemplo, visitamos al osteópata para tratar el físico, al psicoterapeuta para tratar lo psíquico y al sacerdote para tratar con lo metafísico. En términos de música, practicamos con nuestros instrumento con la intención de sentirnos físicamente cómodos con él. Este en uno de los problemas. La separación de lo físico, lo psicológico y lo metafísico es una ilusión, y potencialmente desechable.
El simple acto de lavarte los dientes, por ejemplo, es aparentemente físico, involucrando tu boca, una de tus manos y poco más. Pero es imposible como humano hacer algo que no implique una dimensión psicológica y metafísica. Las emociones asociadas a lavarte los dientes son variadas e intensas, vienen desde tu niñez e incluyen recuerdos, miedos, deseos, placeres y desilusiones. El acto de lavarse los dientes contiene conexiones difusas y no difusas con cada visita al dentista, cada comida y sus consecuencias, y cada momento de vanidad o vergüenza observando tus dientes y tu sonrisa frente al espejo del baño. Además, lavarte los dientes es un acto ritual de limpieza que te prepara para hablar con alguien cercano, aparecer en público, irte a la cama por la noche y entrar en el mundo de los sueños… etc. En realidad, lavarte los dientes refleja la entrelazada e inseparable coexistencia de lo físico, lo psicológico y lo metafísico o, por decirlo de otra manera, cuerpo, mente y alma.
Hacer música no es distinto. Tu trabajo como músico no sólo se basa en que físicamente estés cómodo con tu instrumento, sino de juntar todas tus capacidades en un todo equilibrado, en el que las partes de tu cuerpo estén interconectadas, cuerpo y mente estén interconectados , músico e instrumento estén interconectados y músico y música sean uno.
Coordinación: un circuito de conexiones complejas
La técnica instrumental no es sólo un tema de agilidad de los dedos. Cuando tocas, por ejemplo, un trino, usas dos dedos de tu mano izquierda pero realmente estás usando ambas manos, ambos brazos, ambos hombros, y tu cabeza, cuello, espalda y piernas al mismo tiempo. Si no le dices a tu espalda y piernas que soporten tu cuerpo en pie, lo compensarás de manera inconsciente tensando tus hombros y cuello, afectando de esta manera a tu mano y dedos. Si no le dices a tu brazo derecho que pase el arco suavemente y de manera continua, tu mano izquierda perderá su propia estabilidad. El principio es universal: cada parte de tu cuerpo juega un papel en cada uno de tus gestos, y es imposible usar una parte de tu cuerpo de manera totalmente aislada. Tanto haciendo música como en tu vida diaria, necesitas sentir, activar y nutrir las conexiones que existen de manera natural entre todas las partes de tu cuerpo.
Mezclando movilidad y resistencia
Aunque sería lo lógico, la clave para la coordinación no es la relajación, sino una colaboración entre movilidad y resistencia. Por ejemplo, muchos músicos practican y actúan sentados con la espalda apoyada relajadamente en el respaldo de la silla. Para liberar malas tensiones en el cuello, los hombros y los brazos, sin embargo, necesitas incrementar de manera correcta la tensión en tu espalda y piernas – tiene que ser adecuada en cantidad, calidad, posición y coordinación. Para despertar tu espalda, siéntate en el borde de la silla, quita peso al torso descansado más sobre los huesos de la cadera y permite que la espalda se mantenga recta por sí sola, en lugar de estar sujeta por la silla. Una vez sentado, pídele a un amigo que se coloque detrás de ti y aplique una ligera presión en tu cuerpo- por ejemplo, apretando con el puño despacio sobre tu columna, entre los omóplatos. Si resistes la presión, conectarás tu espalda con tus hombros, tu columna y tu pelvis con tus piernas y pies, distribuyendo y proyectando tus energías a través de tu cuerpo. Cuando tu amigo pare de hacer presión, puedes conservar lo que se llama resistencia latente, que quiere decir que el cuerpo estará preparado si la presión vuelve.
Mientras resistes la presión que ejerce tu amigo, eres libre de mover la cabeza en todas direcciones, levantarte y sentarte de nuevo, oscilar de lado a lado, inclinar el tronco adelante y atrás desde las caderas… etc. Cuando dejes de moverte, estarás conservando lo que se llama movilidad latente, la capacidad de moverse hacia cualquier lado en cualquier momento si lo deseas. La movilidad latente y la resistencia latente combinadas son el trampolín hacia la coordinación.
Pide a tu amigo que ejerza presión en tu columna mientras tocas. La resistencia, cuando se distribuye por todo el cuerpo , permite la liberación de la energía : la columna vertebral se alarga, los nudos en la espalda y los hombros se ablandan , y la respiración fluye más fácilmente. Tu sonido gana en fuerza y riqueza, tu ritmo se volverá estable, y tus frases serán más coherentes. Llamemos a la cadena de acontecimiento presión, resistencia, conexión y liberación. Para facilitar la liberación del sonido, energía, movimiento, emoción o pensamiento, debes centrarte en la resistencia y la conexión, no en la liberación, que puede cuidar de sí misma.
Mejorar la coordinación mediante la comprensión del sonido
La coordinación y el sonido están profundamente interconectados. Puedes trabajar en tu coordinación a través de un mejor conocimiento de la naturaleza del sonido, y viceversa. Pensamos en el sonido como una forma de ruido que captamos con los oídos, no una vibración de tipo cinestésica o una experiencia muscular – una agitación, un tintineo o un temblor. En realidad todo sonido es vibración. Toma un globo e hínchalo. Ahora sujétalo ligeramente entre tus manos, llévate la boquilla a los labios y habla o canta dentro. El globo captura y magnifica la vibración de tu voz, dándote la experiencia de sujetar el sonido entre tus manos. ¿Qué pasa cuando tensas la garganta y hablas con voz forzada? Las vibraciones del globo se vuelven débiles, reflejando el cambio que has provocado entre coordinación y sonido. Al tocar el instrumento, ocurre lo mismo, tu sonido es vibrante cuando estás coordinado, y débil, cuando estás tenso.
Muchos músicos están tan intensamente absortos al tocar que realmente no oyen ni sienten las vibraciones que producen. Para empezar a ser un músico integral necesitas equilibrar los papeles de actor, receptor y testigo en tu vida. Tu yo actor toma decisiones y actúa según ellas, tu yo receptor siente todo lo que ocurre dentro y fuera de ti, y tu yo testigo analiza y sintetiza sin pasión la información que recibe. Pon al actor a tocar una nota corta en cuerda al aire con una dinámica fuerte, usando sólo una o dos pulgadas del arco. Inmediatamente después de sonar la nota, comienza el momento del receptor que no hace otra cosa que escuchar las vibraciones. No toques otra nota, no hables o tararees o tosas, y no juzgues la experiencia, estate pendiente de la nota hasta que termine. Dependiendo de tu instrumento, tu golpe de arco y la acústica de la habitación, el sonido puede durar unos 15 segundos o más hasta que se apague por completo. Después de que el actor toque la nota corta, el receptor escuche a placer o disgusto, el testigo hará una sobria evaluación técnica de la relación entre el acto físico y el sonido que ha resultado de ello. Ahora tu yo actor puede tocar otra nota corta, ya informado por el receptor y el testigo. Con la experiencia, el actor, el receptor y el testigo colaborarán siempre. Entonces serás capaz de optimizar la vibración que produces al tocar, permitiendo que el sonido emerja libremente de tu instrumento con el mínimo esfuerzo.
Entendiendo la relación entre sonido y ritmo.
El sonido como vibración es la fuente misma de la vida de un músico. La música en sí misma, sin embargo, nace de la divina unión entre sonido y ritmo. Puedes concebir la música de dos maneras diferentes: como una serie de gestos que crean sonidos, o como una serie de palabras y frases que, para ser audibles, necesitan de una serie de gestos físicos.
“La música expresa las ideas en paralelo con la palabra, que expresa sentimientos o pensamientos” Arnold Shoenberg dijo esto en su famoso ensayo Brahms, el progresista. “Uniformidad , regularidad , simetría, subdivisión , repetición, unidad, relación entre el ritmo y la armonía … todo contribuye a una organización que hace que la presentación de la idea musical sea inteligible”.
Schoenberg señaló que estos elementos lingüísticos funcionan “como la rima , el ritmo, el metro y la subdivisión en estrofas , oraciones , párrafos, capítulos , etc en la poesía y la prosa”. Detrás de la música , se encuentra una base verbal y lingüística , de la que el ritmo es el elemento más importante . Como músico, tienes el papel de un orador, un protagonista en una comedia , un artista..etc. Cada rol exige que te conviertas en un narrador experto con un profundo conocimiento de la lengua – es decir, que domines los ritmos del lenguaje. Di en voz alta : ” To Be or Not To Be. ‘ Tus oídos agruparán inmediatamente estas seis sílabas en tres grupos de dos, la primera sílaba sería una anacrusa de la segunda , la cual sería el tiempo fuerte: ” . To Be | or NOT | to BE ‘ Ahora di en voz alta , ‘ Never, never, never ‘. Organizas automáticamente estas palabras en tres grupos de dos sílabas , de los cuales la primera es un acento y la segunda es la débil : ‘ ! NE -ver , | NE -ver , | NE -ver ‘ Hay infinidad de patrones de anacrusas, acentos, sílabas débiles, pausas del discurso, melodía, movimiento… en cada acto humano. Sentir estos patrones e interiorizarlos te ayudará en tu discurso musical.
Lee esta línea en voz alta, acentuando las sílabas que están en mayúsculas.
To | BE or | not TO | BE that | is THE | ques-TION.
En lenguaje hablado, igual que en el lenguaje musical, los patrones rítmicos incorrectos dificultan el habla y dificultan a todos el entenderte. Por el contrario , percibir con precisión los patrones rítmicos de la música que escuchas hace que sea más fácil tocar y ser comprendidos . Comienza tu misión de manera simple. Toca dos notas en arcos separados, como si quisieras decir “NE-ver” . Hazlo arco abajo, arco arriba varias veces; luego arco arriba y arco abajo. Ahora imagina que lo que quieres decir es “to BE”. Hazlo arco arriba y abajo, y luego al revés. Parece un ejercicio simple, pero introducir el lenguaje en tus hábitos físicos al tocar requiere práctica. De modo ideal, cada uno de tus golpes de arco debe nacer de las cualidades lingüísticas y rítmicas de la música.
Día a día, explora el universo de la coordinación como conexión, sonido como vibración y música como lenguaje. Al cabo del tiempo, te convertirás en el centro de ese universo, integrando cuerpo mente y alma.
