Elvis Joan Suárez es uno de los compositores y al mismo tiempo uno de los artistas plásticos más originales e innovadores que ha dado Venezuela en los últimos años.

Elvis Joan Suárez: un compositor que sorprende al mundo con su “cinetismo musical”
Por Roberto C. Palmitesta | @RPalmitesta

Ideó una forma de mostrar obras musicales acompañadas por diseños artísticos, que al mismo tiempo son interactivos. Su trabajo se encuentra dirigido a la investigación del color y del sonido apegada a la sinestesia, así como también a la influencia del cinetismo venezolano, de la técnica contrapuntística y la composición musical Avant-Garden. Su trabajo posee un eclecticismo  que lo lleva a sintetizar varias tendencias entre ellas: música medieval, música renacentista, el arqueómetro, el “Modulor” de Le Corbusier, el serialismo musical, la teoría sinestésica de Alexander Scriabin y la construcción de los jardines Zen.

Sus primeros estudios musicales los realizó en la escuela de música “Miguel Ángel Espinel”, San Cristóbal, Táchira (Venezuela) en guitarra clásica con Rafael Suárez. Realizó clases magistrales con el legendario guitarrista Alirio Díaz, y con el prestigioso Maestro y concertitsta del  Royal College of Music of London Carlos Bonell y como compositor recibió clases nada menos que con Blas Emilio Aterhortúa. Además es egresado con honores del Conservatorio de Música Vicente Emilio Sojo de Barquisimeto, en guitarra clásica y composición musical. Sus obras han sido estrenadas, exhibidas  y grabadas en varios países del mundo como Alemania, Australia, Argentina, Ecuador, Reino Unido y Venezuela.

Si hay una palabra para definirlo es la de genio, y un auténtico genio artístico, quien ha querido ir más allá de la música y del arte plástico, ofreciendo una propuesta integral e interactiva. De manera interesante Elvis Joan Suárez le explica a Venezuela Sinfónica el por qué sus obras se encuentran dentro de la corriente del llamado Neo-Cinético Musical. Además cuenta cómo fueron sus inicios, comenta cuáles han sido sus principales fuentes de inspiración, comenta la forma en cómo le fue dando forma a su propuesta y hasta ofrece un recuento de sus éxitos más recientes, sin dejar a un lado sus planes futuros. 

Elvis Joan Suárez: un compositor que sorprende al mundo con su “cinetismo musical”
Elvis Joan Suárez: un compositor que sorprende al mundo con su “cinetismo musical”

VS: ¿Cuéntanos un poco cómo se dio tanto tu formación musical como artística?

EJS: Mi formación musical comenzó desde niño, mi papá nos colocaba todo tipo de música y para mí fue un gran descubrimiento escuchar el “Merengue Venezolano” del Maestro Rodrigo Riera, el hecho de escuchar varias voces en una guitarra me parecía maravilloso, luego escuché al Maestro Alirio Díaz, lo que determinó e incentivó a iniciarme en el arte musical a través de la guitarra clásica,  esto fue en San Cristóbal, estado Táchira, en la Escuela de Música Miguel Ángel Espinel con el Maestro Rafael Suárez. 

Luego de cursar estudios allí, tuve que irme a Barquisimeto, al Conservatorio “Vicente Emilio Sojo”  donde culminé mis estudios de Guitarra con los Maestros Arturo González, Roberto González y a continuar estudios de  Contrapunto, Composición y Orquestación, allí conocí al Maestro Uruguayo Héctor Gutiérrez Cortinas, quien me incentivó a través de  su novedosa pedagogía a orquestar y analizar distintas obras y acercarme a la música del siglo XX.

VS: Por lo visto tuviste un inicio bastante interesante.

En el mismo conservatorio comencé a trabajar con el compositor colombiano Blas Emilio Aterhotúa, quien había estudiado con los grandes compositores del siglo XX entre ellos: Messiaen, Dallapicola, Xenakis, Copland además de  Alberto Ginasteras y Earle Brown. En sus clases magistrales aprendíamos muchísimo, a veces durábamos muchas horas escuchando y analizando obras.

Mi formación Artística, proviene del hecho compositivo, del análisis de obras de compositores como Xenakis, que era matemático y además arquitecto y de las obras gráficas del siglo XX,  también de compositores como Morton Feldman y Earle Brown, que tuvieron mucha influencia de los artistas plásticos de la Escuela de Nueva York.

Comencé a experimentar con obras que no se quedarán en el papel o engavetadas en un escritorio, sino que el público pudiese apreciarlas de manera estética en cualquier sitio, ya fuera de manera visual o auditiva. Al principio fueron obras hechas en papel, luego pasaron a otros tipos de soporte como lienzo, madera, alambre y acrílicos.  

VS: ¿De dónde nace esa iniciativa de combinar arte con música?

EJS: De niño tuve la idea que cada objeto de este mundo tenía alguna sonoridad: un edificio, un puente, una mesa, una silla, un vaso  y que además podrían construirse a través de una nota musical. En mi adolescencia, escuchaba las obras de Xenakis y vi algunas de sus partituras como la “Metástasis” compuesta a través de la maqueta de un edificio;   el “Pabellón Phillips” proyectada junto a Le Corbusier. Una mañana estaba en una librería y allí me llamó la atención un libro que en la portada aparecía una especie de Mandala, que combinaba colores, figuras geométricas, notas musicales y alfabetos de varias lenguas, cuando lo abro lo primero que aparecen son una serie de edificios y objetos construidos a través de notas musicales y acordes, el libro era del siglo XIX: “El Arqueómetro”  de Saint-Yves, entonces comienza mi investigación y a partir de allí, junto con la lectura de obras como “El Modulor” de Le Corbusier o la “Forma Musical” de Xenakis, inicié a componer mis primeras obras.

VS: Que interesante, ¿cómo fueron esos inicios como compositor y cuáles fueron tus primeras obras?

EJS: Inicié con obras como el “Delta N° 1”, obra para ensamble de guitarras que debe interpretarse en forma de triángulo, entonces  realizo mi primera audición en San Cristóbal con mi esposa Gleyda Domador y mi amigo Alejandro Lozada, ambos guitarristas, en el público se encontraba el guitarrista inglés Carlos Bonell, quien venía de dar una gira mundial y de colaborar en la composición del concierto para guitarra de Paul McCartney  (Beatles). Resulta que al Maestro Carlos Bonell le encantó mucho la obra, la publicó, la grabó y realizó su primer estreno en “Guitar Sydney Festival” con 30 guitarristas en escena, esto fue en el 2004. En Junio de este año 2019 se estrenó el “Delta Sydney” obra dedicada a Sydney´s Classical Guitar Society donde el montaje estuvo a cargo del guitarrista Australiano Raffaele Agostino y dirigido por Janet Agostino, es una obra que se interpreta en forma de triángulo con la participación de una orquesta de guitarras, donde se va proyectando imágenes alusivas a la ciudad de Sydney.

VS: Vaya que inicio tan exitoso e interesante. ¿Quiénes han sido tus compositores favoritos y tus mayores influencias? Además de los que ya mencionaste.

EJS: Mis compositores Favoritos van desde Johan Sebastián Bach a Debussy, Ravel y Scriabin. Earle Brown, Morton Feldman, Toru Takemitsu, Iannis Xenakis, Aaron Copland, Karlheinz Stockhausen, György Ligeti y John Tavener.

Elvis Joan Suárez: un compositor que sorprende al mundo con su “cinetismo musical”
Elvis Joan Suárez: un compositor que sorprende al mundo con su “cinetismo musical”

VS: Ok, eso en cuanto a la música, pero en materia de arte plástico ¿Quiénes han sido tus artistas favoritos y cuál escuela pertenece tu arte?

EJS: Nuestro país tiene una gran influencia en  el arte mundial y por supuesto que mis artistas favoritos son: Mateo Manaure, Jesús Soto, Carlos Cruz Diez, Carlos Medina, Gego, Esteban Castillo, Juvenal Ravelo, Alejandro Otero. A nivel internacional puedo mencionar a Auguste Herbin, Víctor Vasarely,  Yaacov Agam, Julio Le Parc entre otros. Mis obras son partituras cinéticas, son trabajos que podría ser interpretados por cualquier músico, ensamble u orquesta, ya que parten de una idea musical y geométrica, podríamos decir que están dentro del arte Neo-Cinético. 

VS: ¿Cómo decides cuando una obra va a estar diseñada para ser acompañada por algún instrumento musical, agrupación u orquesta en específico?

EJS: Hay diferentes formas de trabajarlo, pero la que prevalece es que tiene que ver  con el performance de la obra, cómo el intérprete musical puede jugar con la obra y de allí parte mi inspiración ya sea por un color en específico, o alguna figura geométrica. Mi obra “Melusina”  estrenada en mayo del 2019 en Francia, por el flautista venezolano Néstor Álvarez, en Estraburgo, es un ejemplo de ello, la obra partió del perfomance entre el flautista y una bailarina que realiza el papel de la mujer mitad-serpiente, mitad-mujer, mientras el flautista es el símbolo del hombre vulgar y sencillo, cuando la obra se va interpretando se va proyectando el video con la partitura gráfica donde se va describiendo esta leyenda. “Melusina” para flauta sola y bailarina ha sido utilizada en algunas escuelas de  Francia con fines pedagógicos y musicales. Recientemente el flautista Néstor Álvarez ha realizado el estreno también en Alemania, en Ecuador y por su puesto en Venezuela.

VS: ¿Cómo logras hacer la relación entre música y arte plástico? ¿En qué te basas para hacer esa combinación?

EJS: Parto de muchas ideas, entre ella la sinestesia, por ejemplo mis “Counterpoint Scriabin” son obras  plásticas donde se parte de un contrapunto a tres voces y cada sonido corresponde un color, según las investigaciones  de las teorías teosóficas que realizó este compositor ruso, este contrapunto está materializado a través de unos tacos de madera que sobresalen de la obra creando un juego óptico con sus colores y con el movimiento vibratorio de un Moiré de metal que le colocó como pantalla.

La idea principal de mi trabajo es que la obra musical no se quede engavetada en un archivo o escritorio, sino que la persona, el público, pueda disfrutarla  desde la estética, sus formas, el mensaje, como un todo integrado en mi obra plástica, así como en el oriente tienen una predilección por su artes caligráficas. A finales de marzo de  este año el cuarteto francés de clarinetes ROOTS4CLARINETS, estrenó mi obra “Círculo Modulor Scriabin” en el Museo de Arte Contemporáneo Hans Jean Arp de la Ciudad de Estraburgo en Francia, obra inspirada en esta ocasión a través del color de la tabla sinestésica de Scriabin, donde los clarinetistas se ubican en forma de semicírculo y se va proyectado los distintos colores en un círculo multimedia.

VS: Cuando vas a diseñar una obra ¿Qué viene primero la obra u escultura o la música?

EJS: Mis obras en algunas ocasiones parte de una melodía con algún tipo de inspiración histórica ya sea renacentista o contemporánea, comienzo a hilvanar otras melodías a través de una de las técnicas más importantes de la música como lo es el contrapunto y de allí surge mis obras que llamo “Counterpoint”, en otras ocasiones es el material plástico  el que me sugiere que hacer, por ejemplo alambres, lienzo, las pinturas o también el papel. Una vez tenía un tablón de madera de unos 120×60, había estado mucho tiempo en un aserradero, lo tenía en mi taller, todos los días lo miraba y de allí comenzaron a surgir ideas musicales que correspondía con ese material, tome el tablón, lo lije, lo limpie, comencé a colocar algunas figuras geométricas, después algunas franjas, y añadí algunos pequeños tacos de madera de colores que obedecían al alfabeto del compositor Alexander Scriabin construí un moiré  con alambres, y la obra gustó tanto que fue adquirida de manera rápida por un coleccionista. 

Otra manera de trabajar es como lo han hecho clásicamente los compositores a través del tiempo, sentado en un mesón, con papel pentagramado, mi motivo de inspiración es una figura geométrica plana, mido más o menos como voy a ubicar a los interpretes o músicos en medida, es decir en metros, de allí sale una nota por ejemplo (DO) y de allí parto a realizar una partitura gráfica, que debe proyectarse de forma multimedia y después hago algunas pruebas de sonido a través de un software de música, posteriormente vendrá el ensayo con los intérpretes, colocar la partitura u obra a la vista del público. 

VS: Explica un poco más a cuál corriente artística perteneces, porque por lo que has respondido, abarcas muchas cosas.

EJS: Mi obra se encuentra dentro de la corriente Neo-Cinético Musical, pero como te definí anteriormente, son partituras que quiero mostrar y no engavetarlas, que el público pueda gozar de ellas tanto de manera visual como  auditiva. El principal motivo de inspiración es el performance que se pueda producir entre la obra ya sea en Lienzo, mural o cualquier otro soporte con el intérprete musical y el público. 

VS: Hablemos ahora de tu trabajo. ¿Cuáles han sido las últimas obras que has expuesto y dónde?

EJS: En mi atelier estoy constantemente trabajando con las obras, ya sea por encargo o porque alguna galería quiera mi trabajo, mantengo obras en algunas galerías de Estados Unidos y  aquí en Venezuela, así sucede también con los encargos musicales, hay algunas propuestas interesantes que les informaré en su debido momento, en estos momentos acabé de terminar un encargo para el Cuarteto de Guitarras Eléctricas “Quarto Ensamble” de Chile que es una de las agrupaciones de cámara más interesantes de Latinoamérica, donde mezcla un gran eclecticismo  tanto en sonoridad como en performance, se realizará la premier de esta obra para el 2020.

VS: Cuéntanos un poco sobre cada una de tus últimas obras estrenadas y expuestas.

EJS: Recientemente  en agosto se realizó el estreno del “Delta Pyramidal”, fue todo un éxito en la Ciudad de Guayaquil, en Ecuador. Fue encargada por el Festival de Flautas y Música de Cámara de Guayaquil,  es una obra – performance que debe interpretarse con una pirámide de metal y aluminio construida a través de la medidas del “Modulor” de Le Corbusier, (2,26 Mts) y el “Arqueómetro” de Saint-Yves d´Alveydre,  el cuarteto de cuerdas debe colocarse en cada punta de la base de la  Pirámide, los violines adelante, viola y violonchelo atrás; el flautista anda de manera libre por el escenario, para penetrar en la pirámide y tocar los tubos sonoros de manera aleatoria, que están afinados en la escala  musical. 

VS: ¿Qué nos puedes explicar sobre esta estructura y su relación con el sonido?

Esta construida a través de las series rojas y azules del “Modulor”  donde el sonido que genera la obra   es el F (FA), a partir de allí se tomó la escala sonométrica del “Arqueómetro” para la construcción de la pirámide y el juego de tubos sonoros que se ubican en parte superior de la misma.  La obra tiene una duración aproximada de 13 minutos, está constituida por 27 eventos musicales.

VS: ¿Cuál otra obra estrenaste este año?

EJS:  El 29 de Junio de este mismo año fue la Premier mundial de mi obra “Circle Dante”, encargada por la flautista  Ruth Pereira para ser estrenada en el Palacio Japonés de Dresden, Alemania, en marco del festival “Lange Nacht der Künste”. Está inspirada en el infierno de la Divina Comedia.

VS: ¿Cómo has visto la receptividad del público y qué tipo de comentarios has recibido con tus últimos trabajos?

Ha tenido una gran receptividad, además  de una gran curiosidad por el público, muchas personas me preguntan por las redes sociales sobre las obras, sobre todo músicos que quieren interpretarlas, en el caso del público de arte, coleccionista y galerías muchos me preguntan sobre la disponibilidad de las obras, cuando no tengo disponibilidad porque las he vendido apenas  las publico, ellos la encargan en el Atelier y estoy muy agradecido por ello. 

VS: A raíz del éxito de tus últimos trabajos ¿has recibido alguna oferta o propuesta adicional?

EJS: Sí, tengo el gran honor de que mis obras participen en la temporada 2019-2020 del “Tehran Contemporary Ensemble”, es un ensamble dirigido por el gran director iraní Siamak Fallahi, dedicado a interpretar tanto como música del siglo XX  y XXI, como la música persa contemporánea, donde uno de sus principales tareas es incentivar la creación y la educación tanto a músicos  como al público en general sobre este repertorio, así como hacer énfasis en formación de los futuros intérpretes, directores y compositores.

Una de las obras se trata de un mural “Mural Fallahi” dedicado a su gran director Siamak Fallahi, donde mezclo la música del Avan-Garde, con el cinetismo. La otra gran invitación fue hecha por el director venezolano  José Jesús Olivetti, hace poco  nombrado en Alemania como el nuevo director de la  “Welden Musikkapelle”, para que mis obras sean interpretadas en el concurso que organiza para incentivar a los jóvenes venezolanos a la interpretación musical: “Tocar y Luchar”, una gran iniciativa para nuestro país para motivar  a las nuevas generaciones.